"Creo que hay muchas preguntas abiertas que los artistas pueden plantear y podemos pedir a las comunidades que se sientan lo suficientemente capacitadas para responder, responder, rebelarse y sentirse asombrados por la espiral incesante de pensamiento, imagen y acción que es la profesión del artista". --- Kara Walker
La nativa de California Kara Walker creció en Georgia, donde su padre artista enseñó en la Universidad Estatal de Georgia. Como Walker explica en la entrevista a continuación, sabía desde temprana edad que quería seguir los pasos de su padre. La ganadora más joven de una subvención de "genio" de MacArthur hasta la fecha, Walker ha mostrado su trabajo a nivel nacional e internacional, incluyendo espectáculos en el Museo de Arte Mori de Tokio, el Museo Guggenheim de Nueva York y el Centro de Arte Walker en Minneapolis. También representó a los Estados Unidos en la Bienal de Sao Paulo de 2002. Walker trabaja en una variedad de medios, aunque es mejor conocida por sus instalaciones del tamaño de una pared de provocativas siluetas cortadas en papel que exploran cuestiones de género, raza y clase. Hablamos con Walker por correo electrónico sobre su versión de la vida de la artista, un encuentro transformador en DC '
NEA: ¿Cuál es tu versión de la vida del artista?
KARA WALKER: Mi vida es una vida que es tanto ordinaria como extraordinaria. Como madre soltera (divorciada) de uno, hay innumerables deberes domésticos, tareas y placeres, que siempre trato de equilibrar con las demandas intensamente exigentes y a menudo egocéntricas de trabajar en mi trabajo. En su mayor parte, tengo un estudio bastante viable y un horario y rutina de viaje, gracias en parte a la participación de mi ex en la vida de nuestra hija. Pero mi vida como artista nunca ha sido bohemia en el sentido de que vivo completamente fuera de lo cotidiano. De hecho, mi trabajo siempre ha existido en relación con lo ordinario. Los temas y métodos que uso y hago referencia: siluetas, dibujos animados, novelas de diez centavos, todos hablan directamente de la psicología de la vida doméstica. Voy al estudio todos los días y paso tiempo leyendo o tratando de investigar mis intereses. A veces llevo a casa mis proyectos o cuadernos de bocetos para poder mantener vivo el hilo entre la cena o las altas horas de la noche. Los días que tengo para mí mismo los llevo con una combinación de trabajo de estudio y pasar tiempo con mis amigos igualmente ocupados.
NEA: ¿Qué recuerdas como tu primer compromiso o experiencia con las artes?
WALKER: Mis primeros recuerdos de mi infancia en Stockton, California, giran en torno al arte y los artistas. Mi papá es pintor y solía mantener su estudio en el garaje. Recuerdo estar sentado en su regazo cuando tenía alrededor de tres años y verlo dibujar. Recuerdo claramente haber pensado que yo también quería hacer eso, cuando creciera. Mi padre siempre nos alentó (mi hermana, mi hermano y yo, incluso nuestra madre) a dibujar o básicamente encontrar una manera de ser creativos. Mis recuerdos favoritos de mi primera infancia son las exposiciones de arte en la universidad donde trabajaba o, ocasionalmente, otros lugares de arte en la ciudad. Sobre todo me gustaba abrir recepciones, que siempre tenían galletas de mantequilla y cubitos de queso con palillos de dientes, ponche de fantasía (que es solo ginger ale vertido sobre sorbete de naranja o lima), y aceitunas negras sin hueso en lata que puedes colocar en todos tus dedos. Es una pena que la mayoría de los eventos de la galería a los que asisto en Nueva York no tengan comida, pero estoy seguro de que haría un espectáculo de mí mismo con todas esas aceitunas. En cualquier caso, siempre me esforcé por pasar unos segundos mirando las obras de arte antes de ir a los entremeses.
NEA: ¿Cuál ha sido tu experiencia artística más significativa hasta la fecha?
WALKER: Bueno, esta es una pregunta difícil de responder porque hay muchas experiencias en mi carrera que son significativas, y luego hay momentos de profundidad y sorpresa que ocurrieron al mirar otro trabajo. Una vez, cuando estaba en la universidad en [Atlanta College of Art], algunos amigos y yo fuimos en automóvil a Washington, DC para ver algunos espectáculos: vi el espectáculo de Sigmar Polke en el [Museo] de Hirshhorn. También terminé viendo a Mike Kelly por primera vez allí. Estos fueron algunos de los eventos memorables para mí, pero, más significativamente, en ese viaje me encontré en la Galería Nacional de Retratos y me di cuenta de que me encantaba la pintura de género e historia. Sentí un profundo anhelo por la certeza de la técnica de pintura tradicional, que lamentablemente no estaba aprendiendo en la escuela. Casi me sentí culpable por este deseo de pintar la vieja escuela como si le estuviera dando la espalda al modernismo. De hecho, mis sentimientos sobre el arte americano temprano me abrieron los ojos a la idea misma de lo moderno. A través de esta búsqueda retroactiva, comencé a armar el círculo de ideas que formaron nuestra actitud nacional y, en un sentido amplio y amplio, crearon las condiciones para mi ser: una mujer afroamericana que estudiaba el arte del pasado.
NEA: ¿Qué decisión ha tenido el mayor impacto en tu carrera artística?
WALKER: Para continuar con la declaración anterior, este ciclo de búsqueda en el pasado para comprender mi presente se me quedó grabado, de modo que la decisión más grande y mucho más difícil al embarcarme en la escuela de posgrado fue desmantelar todo lo que creía saber sobre el arte, y empezar de nuevo desde un lugar diferente. Esto significó un tipo de análisis forzado de todos mis motivos para hacer arte, buscar e investigar las restricciones sociales y físicas de mi ser, y crear una práctica que fuera a la vez completamente específica para estos límites (raciales, de género), pero no comprometida con ellos.
NEA: ¿Qué significa para ti ser un artista afroamericano? ¿Una mujer artista?
WALKER: Lo que significa es tener que navegar siempre por los límites contenidos en estos títulos. Incluso para escapar de su impacto, un artista debe pasar por este canal. Las expectativas sobre el rendimiento de la raza y el género son simultáneamente altas y bajas, dependiendo de quién mira o pregunta. Prefiero mantener todas las opciones en el aire, para tratar de comprender mejor el enigma que crea la desigualdad, no solo en la cultura, sino internamente.
NEA: Su trabajo trata con ideas de poder, ya sean dinámicas de raza, de género, etc., sin embargo, el medio que emplea a menudo es aparentemente gentil. ¿Puedes hablar de esa tensión entre forma y sujeto? ¿Y también sobre la relación entre tradición e innovación en tu trabajo?
WALKER: La técnica de la silueta se me anunció cuando estaba investigando la identidad cultural de los primeros Estados Unidos. En muchos sentidos, como forma, logró ser una reducción mínima y un medio para cubrir una gran cantidad de territorio. Con la técnica, se habla tanto de la sombra como de una forma haciendo un corte de papel, pero también de la sombra como el subconsciente en psicología. En realidad, me sorprendí cuando comencé a trabajar [con] lo bien que se adaptaba a mi personalidad, algo educado, mudo ... y lo bien que parecía ejemplificar la experiencia de las mujeres y los negros como ciudadanos de segunda clase. Esta era una forma artesanal que estaba (y está) en todas partes, pero rara vez alcanza un alto estatus. El corte de silueta para mí fue mi rebelión contra el arte y la pintura y para mí una forma de socavar la tendencia patriarcal en el arte occidental.
NEA: ¿Cuál ves como el papel del artista en la comunidad?
WALKER: Otra pregunta difícil, pero una que he estado tratando de responder recientemente, especialmente a la luz de "Occupy Wall St." movimiento (en el que no participé exactamente, excepto indirectamente). Creo que los artistas en diferentes niveles en su carrera o 'presencia' a menudo son llamados a abusar de sus talentos en las comunidades, ya sea hablando de arte o haciendo arte para o con grupos escolares o lo que sea, por razones a veces nobles pero a menudo fáciles. Lamento decirlo, pero realmente creo que hacer arte es una especie de esfuerzo holístico y los artistas están en su mejor momento cuando desafían a las comunidades a resolver problemas, no solo para hacer más arte o sentirse "inspirados". Los artistas pueden optar por congraciarse con personas y lugares que les interesan, más allá de las galerías y los mundos del arte. (Aunque a menudo no lo hacemos; ' es un terreno complicado porque la práctica del arte también es muy privada y solitaria). En cuanto a mí, he estado explorando formas de ayudar mejor a otros artistas más jóvenes, algunos con y otros sin educación formal. Abrí un espacio de proyecto temporal cerca de mi estudio durante medio año en 2010 y allí sucedieron una variedad de tipos de actividades: conciertos, grupos de discusión, exposiciones. Como experimento, fue bastante interesante, y creo que debe volver a ocurrir, este año, pero con más alcance, para evitar que sea demasiado insular. Abrí un espacio de proyecto temporal cerca de mi estudio durante medio año en 2010 y allí sucedieron una variedad de tipos de actividades: conciertos, grupos de discusión, exposiciones. Como experimento, fue bastante interesante, y creo que debe volver a ocurrir, este año, pero con más alcance, para evitar que sea demasiado insular. Abrí un espacio de proyecto temporal cerca de mi estudio durante medio año en 2010 y allí sucedieron una variedad de tipos de actividades: conciertos, grupos de discusión, exposiciones. Como experimento, fue bastante interesante, y creo que debe volver a ocurrir, este año, pero con más alcance, para evitar que sea demasiado insular.
NEA: ¿Cuál crees que es la responsabilidad de la comunidad hacia el artista?
WALKER: Esta es la esencia de una pregunta que le hice a una multitud de artistas en su mayoría en un evento / charla que realicé el otoño pasado llamado "Occupy Kara Walker". Quería tratar de hablar a través de mi experiencia como artista altamente demandado y comercialmente exitoso. Uno cuyo trabajo ha tenido en cuenta los éxitos y fracasos del arte de la protesta política, y cuyo trabajo ha sido objeto de protesta. Una de mis preguntas fue ¿qué quieren las audiencias artísticas? ¿Y los artistas están obligados a responder a esas necesidades? ¿Qué esperamos del arte y cuáles son los límites de esas expectativas? Creo que hay muchas preguntas abiertas que los artistas pueden plantear y podemos pedirles a las comunidades que se sientan lo suficientemente capacitadas para responder, responder, rebelarse y sentirse asombrados por la espiral incesante de pensamiento, imagen y acción que es la profesión del artista.
NEA: Cuando entrevistamos al fundador de Kronos Quartet, David Harrington, dijo: "Trato de saber todas las cosas que faltan en nuestro mundo de la música como sea posible ... Trato de dedicar mi tiempo a darme cuenta de esas cosas que todavía no son parte de nuestro trabajo, pero deberían serlo ". ¿Qué ves como falta en el mundo de las artes visuales?
WALKER: Ya no hay muchas oportunidades para que los artistas simplemente practiquen en voz alta. Lo que quiero decir es que en este momento existe un mundo del arte que hace hincapié en la escuela de posgrado como el lugar para expandir ideas, conocer a sus compañeros y, en muchos casos, aprender a relacionarse, convertirse en un profesional. Una cosa que falta es un espacio no comercial fuera del estudio que no le cuesta nada al artista, además de lo que se pone en el trabajo, para generar ideas y recibir comentarios y críticas. Creo que hoy se necesitan más galerías sin fines de lucro o programas de teoría del arte (como el Programa Whitney en Nueva York) con misiones desafiantes y un fuerte liderazgo para diversificar el campo del arte. ¡No todos pueden pagar la escuela de posgrado! Creo que es importante reducir la deuda que enfrentarán los artistas que van a la escuela,
